如何作曲
因为网上有很多朋友找我交流作曲经验，为了避免重复打字，特此发表观点如下:
很多朋友一上来就说很有写歌的欲望，问我怎么写歌。我的第一感觉是这种心态太不现实，缺乏客观的态度。写歌作曲的愿望当然值得鼓励，但如果你连哼什么都录不下来，这种想法就会成为急功近利的标志。
其实写歌，包括配器，是很自然的事情。如果你还在问我怎么写，我觉得你根本就没有入门，你也没有能力掌握这首曲子。一定要放下写音乐的想法，多学一些基础的东西，学到一定程度，积累到一定量，接下来自然就知道该怎么做了，包括评估自己的作曲能力。所有一上来就问怎么写音乐的朋友，都是我进一步了解之后，音乐基础很少或者没有的朋友。不想飞不走，这就是我想说的。你需要的不是如何写音乐，而是如何先了解音乐是怎么一回事。
再者，写歌怎么了？很多人即使不懂乐理也能经常瞎哼一些曲子(我爸就是这样，呵呵)，但是不知道自己在哼什么，也就没法录下来，也就没法踏入音乐的门槛。懂得作曲的人是不一样的。他们可以录下自己或别人哼的曲子，比如王，所以有些人成了作曲家和音乐家。其实你有没有作曲的能力，取决于你有没有录音的能力。
如何训练这种记谱能力？首先你得知道乐谱，唱得准确，乐谱细节非常清楚。然后要练耳朵，包括分辨音程和节奏。各种复杂的音程和节奏都要练到条件反射，一只耳朵就能听出来。这有点像练英语，到了像母语的程度。当然越复杂越难识别，但是能区分复杂音程和节奏的人，肯定能写出复杂音程和节奏的东西。所以，想要写好歌，就要持之以恒，提高耳朵，永无止境。在一定程度上，当你听到音乐时，反映在你脑海中的不是声音而是乐谱。
再者，如果你不仅能识别音程和节奏，还能对音乐的和弦变得敏感。你会逐渐发现歌曲的旋律都是以和声为基础的。除了中国传统音乐有先旋律后和声背景(即先音乐后配器)之外，现代音乐的旋律是建立在严格的和声结构基础上的。对和声越敏感，越会发现写一首好歌有多难，需要很强的基本功。你对和声越敏感，你越会发现国内音乐缺乏使用和弦的手段，你能听出什么是好歌，什么是烂歌。真正的好歌无非是在旋律上和烂歌拉开距离，甚至连旋律都没有烂歌花哨。你会知道真正有意义的旋律意味着什么。
我们更上一层楼，谈谈如何写好一首歌。
对于有写歌经验的朋友来说，有必要讨论一下写歌的乐趣。一件事，如果你能做，别人也会做，甚至人人都会做，那你就没兴趣做。如果只有你能做到，你会觉得很不一样。写歌也是如此。如果你想到了一个旋律，但观众也能想到，那就是很没有特色，或者说没有标准，也不难。为什么说现在的流行音乐有很多垃圾？就是你听到开头就能预测他接下来会唱什么音，甚至你能想出这样的旋律，那这首歌一定不好听。现在的歌都是大家熟悉的风格和曲调，听多了会让人觉得很无聊，因为太普通了，没有新鲜感。写歌的时候要强调作曲的乐趣。我们应该写一些能抓住观众耳朵的东西，让他们有不同的感觉。这是你自己的性格问题。只有你想出这样的事，别人才不会这么想。如果你的音乐还能让别人觉得好听，说明你的水平真的不错。这就是写歌的乐趣，你应该突出你的个性。
另一方面，很多人不说各种作曲技巧，而喜欢强调一点:“音乐是感性的，不必遵循任何规则”。他们的意思是想抛弃作曲的严谨结构，走出自己的个人世界。按照这种理解，任何人都可以演奏音乐，不考虑束缚作曲的结构体系。还能自得其乐吗？我今天给你一把吉他，你明天出专辑，也不是不可能。但是有多少人会承认你的音乐呢？说白了，我乱写，你乱写，大家互相否定。这有意思吗？所以我个人非常反感这种反传统的做法，我其实是想逃避音乐的规则。
所以从写歌乐趣的角度来说，我希望所有写歌的朋友都能在理性的约束下写出个人的旋律，这才是乐趣。
最后讨论一个维持写歌水平的问题。
大家可能都注意到了，国内的创作型歌手都很短命，不是因为一首歌出名，就是因为一张专辑出彩，很少有歌手能保持创作水平。比如郑钧，唐朝等等。大部分人有两种观点:1是因为自己第一张专辑发行时生活艰辛，体会深刻。成名后，生活水平的提高引起了创作理念的变化，很多物质因素影响了他们，所以以后还是平庸。2因为第一张专辑是他们多年灵感的积累。成名之后，灵感几乎会枯竭。没有灵感，就不会有好歌。这种“物质生活论”和“灵感论”并非完全没有道理，但我认为绝对不是主要原因。许多外国乐队在20世纪70年代成名。到现在还是有好专辑和好单曲不断涌现。他们的作文不受物质生活和灵感枯竭的影响吗？
有人问李敖:“写作需要灵感吗？”他问:“妓女需要性欲吗？”这其实已经说明了问题。创作不能靠灵感维持，要靠基本功和积累。单纯靠灵感写歌是很累的。你不仅要靠灵感想出一个美好的开头，还要靠灵感想出一个美好的过渡，然后你还要靠灵感写出一个美好的高潮。其他的歌都是这样的。还能这样继续下去吗？真正的歌曲创作是借助一个动机发展起来的，这个动机就是灵感，其余的都是靠作曲家的技巧和对音乐创作的理解发展起来的。那些强调灵感而忽视构图技巧的人，迟早会走进资源枯竭的死胡同。国内创作型歌手的艺术寿命短，是基本功和积累不够造成的。对于那些外国大师来说，他们随便钦点的东西，会让我们觉得深不可测。为什么？基础不一样！对于他们来说，灵感没什么特别的，只要找到写作方向，就能发挥出来，一切都是按照他们的作文风格来做，就这么简单。
所以，如果你想保持自己的写歌水平，或者想更进一步，很简单。你要夯实基础，多积累。学习，学习再学习，才是解决这个问题的最终方法。把自己关在录音棚里找灵感的方法是无效的。
暂时写到这里，欢迎朋友们批评指正
续1:
关于写歌，我真的可以告诉你一些我自己的体会(而且我也在这里贴过，但是反响不太热烈，不知道是深刻还是错误)。我可以问你这个问题:如果今天告诉你一系列的写歌技巧，明天你能写出一首歌吗？之所以发上面的帖子，是想告诉大家，写歌是积累。就算我把我知道的都告诉你，你也不可能变成我这样。这是典型的说起来容易做起来难。如果真的想学习作曲，可以找一些和声理论、配器知识的书籍慢慢学习，然后要不断练习听，提高耳朵对各种音程、和声、节奏的敏感度。但是又有多少人会踏踏实实的去做呢？他们都希望从我这里得到一些攻坚的小窍门，让自己一步登天。我已经说得很清楚了。如果你还在问我怎么写音乐，请先放下写音乐的想法，了解一下音乐的基本概念。总有一天，你会自然醒来。原来作曲就是这么简单。我现在能做的就是给你指路，而不是拖你走。
在我的经历中，好像从来没有问过别人怎么作曲，甚至弹吉他，也没有当过老师。但是如果你能让你的思想领先于你的技术，你自己就能看清下一步，不需要特别的指导。相信我，世界上所有的好东西都是建立在踏实的作风和基本功上的。加强基本素质的训练，会让你自学成才。
续2:
可能这里有很多人鄙视学院派的专业老师和学院派的东西。但是一旦你了解了学院派，你就会发现你曾经是多么的自大。毕竟作曲的理论和训练经历了很多世纪，很多音乐天才的发展和学习，产生了那么多经典的，不可思议的作品。如果要否定它的作用，也轮不到我们这些半瓶水的年轻人。
这套学院派的东西之所以不被大家看好，是因为国内学院派作曲家出的好东西不多，实践能力不行，不屑写通俗的东西。有点像学武术，痴迷了，但是他们变得不可理喻了。但是当我们去国外看看，情况根本不是这样。很多好的东西在国内被误解，比如摇滚，在国外是正常的主流，在国内是另类和社会流氓的象征。学院派也是如此。
另外上面有人提到作曲不要墨守成规，要有创新等等。我觉得这里有一个意识和无意识的问题。如果你有意识地打破这个套路，我觉得是可以理解的，因为你知道原本的规则应该是什么，是为了表达你的需求而特意设置的。事实上，这里已经形成了一个你自己的新规则。但如果你不自觉地打破常规，我觉得只能归为错误，就像唱卡拉ok没有感觉一样，不能美其名曰标新立异，也不能美其名曰创新。广义来说，玩另类的人，首先要搞清楚什么是主流，先了解和掌握主流的各种规则，再去创造另类；玩朋克的朋友也要先练练技术再玩粗的，会感觉很不一样，得心应手，很有音乐感。
总之，我强调的是先了解掌握它，再去打破它，颠覆它。而不是什么都不懂或者拿着半瓶水就开始说破与颠覆，那样会制造混乱而不是音乐。
续3:
其实那两三首歌能写出来，是因为你的积累，凝聚了你的学习成果。在有一定学习成果的基础上，灵感会光顾你。就好像你现在爬上了一个山坡，这个山坡上的任何资源都可以被你利用，但是一个山坡上的东西毕竟是有限的，过一段时间就会耗尽。然后你要爬更高的山，然后你就可以利用比这座山低的各种资源。当你达到大师级别时，真的有一种“你会死的，其他的山在天空下都显得矮小”的感觉。你可以利用世界上所有的资源。你什么时候用完？可能到你老死的那一天都用不完。
我们为音乐而活就是向上爬的过程，而不是坐在斜坡上等着山上的苹果掉下来。
在我的创作中，我特别强调理论基础。为什么？因为中国人缺少这个。中国人可能很聪明，有灵感，有潜力成为伟大的音乐家。但是我们薄弱的音乐基础迫使我们在起点上输给了外国人。中国是一个不擅长理论，强调感性的民族。不要跟我说感性是音乐的基础，感动人才是最重要的，因为我觉得你不明白音乐是怎么来的，你觉得感人的音乐是怎么创作出来的，创作者站在什么基础上才有这样感人的作品。理论有你想的那么死板，那么限制灵感和自由吗？你有多少理论基础，有没有享受过基础理论技能的好处？这些都是中国音乐创作者需要思考的问题。你在学习吗？你有进步吗？以下是我关于理性和感性哪个更重要的帖子:
1
感知是创造的源泉，理性技能是服务和辅助！这句话很美，但不实用。
我的感觉是，天赋和理论两者不可偏废。在创作中，灵感先于理论，但并不意味着灵感比理论更重要。比如选择女朋友，长相是门槛，但不是最重要的。性格可能是你最终选择的最重要因素(当然，如果长相符合你的标准)。
创作也是如此。什么是启发，什么是情感，这是一个门槛。没有这个门槛，什么都谈不上，但是过了这个门槛，就看大家功力的深浅了。这个技能是音乐欣赏、聆听、理论的积累。有些人动机很好，感情很好，灵感也很好，但是却不能像这个灵感一样继续完成剩下的创作，说明他还是一个业余创作者，跟不上理论沉淀。而一个真正的艺术家，总能抓住一个小小的动机，把它发展得非常感人，非常杰出。其实大家对理论都有一些误解，喜欢把它变成一本书。其实只是发挥听觉艺术，挖掘出最佳音符的利器。而且很多时候，这些音符不是单靠一个激情就能找到的。所谓的音乐大师并不是高深的理论大师，他们是天赋和深厚功底的完美结合。
过分强调天赋和灵感，很容易让人排斥理论，觉得不用特别用什么理论，凭自己的聪明就能写出好作品。但其实仔细听完这些作品，发现艺术性还是不够，走的路比较野(当然有人会说比较自由)，但长此以往，很容易走进死胡同，创作生命不够长。在中国，能谈创作长寿的音乐人少之又少。为什么？它们都是突发灵感的类型，总有一天江郎会筋疲力尽。但如果有深厚的音乐沉淀，情况就不一样了。一个小的灵感完全可以展开成一首完整的曲子，不需要特别的重新灵感来完成剩下的，否则会相当累。
我欣赏国外流行音乐创作百花齐放，既有学院派(比如很多电影插曲)，也有很多野路子(比如摇滚)。然而，即使是野路的创作者，也有着深厚的音乐沉淀，只是风格与学院派不同。但他们都是理论大师，他们的音乐创作思路得到了听众的认可，因此名声大噪，可以在不降低水平的情况下陆续发行专辑。这个现象和国内不一样。
总之，感觉国内流行音乐还是理论轻，认真学习的人少，但是很多人都想马上写出好歌，成名。喜欢学术界，浮夸。
一家之言可能有失偏颇，但却是我个人的感受。
2
音乐中感性和理性孰先孰后的问题，有点像唯心主义和唯物主义之间关于物质和精神孰先孰后的争论。看来公说公有理，婆说婆有理。其实这是事物不可分割的两个方面。一部音乐作品是在一定的框架内形成的，在这个框架内有自己的思想。没有框架谈思想，没有思想建框架，都是没有意义的。强调任何一方的重要性都是正确的观点。但是，需要提醒的是，不要轻视任何一方。如果忽视感性或理性一方的培养，必将成为创作的瓶颈。按理说我在这两个方面的发言应该是同样卖力的，但我没有这样做。我特别强调，理论是基于对现在一些普遍现象的考虑。这些现象需要解释，大家自然会明白我的用意。
从我的亲身经历出发。我教过吉他，也教过很多学生，大部分课都是初级的。众所周知，小学学习乐理的重要性和练习演奏的重要性是一样的，双方要同等发力。但如果给学生一定的练习时间让他们自己练习，绝大多数的学生一定会选择练习弹吉他而不是视唱练耳。以至于最后会弹音的人很多(而且弹的还不错)，会调弦看谱的人很少。这是为什么呢？因为懒这个词。他们的懒惰不是在手上，而是在脑子里。学习乐理、听的基本功，显然更像是一种脑力劳动。当他们把时间花在练习演奏上的时候，他们其实并不想动脑子(虽然他们可能意识到学习乐理和视唱练耳可以让他们事半功倍)。所以如果我不特别注意，或者用同样的方式强调双方的重要性，结果很可能就像我上面说的那样。到最后，我不懂音乐只懂演奏。所以每次我把自己的乐理和视唱练耳提升到比练琴更高的层次，都要求他们全神贯注(当然我不会担心他们不练琴)
其实大家都会发现类似的现象。很多人弹吉他手指飞舞，却跟不上节拍，感觉不像音乐。所谓脑子跟不上。他们并不缺乏技能练习，甚至对此很感兴趣。但是他们讨厌乐理，即使知道是错的，也不愿意花大力气去改变。这就是我所说的精神懒惰。
说到创作音乐，很多人都会夸自己有才华，有感觉，有体验等等。强调感性是首要的，理性是次要的或辅助的。我看到的是另一层意思，就是他们想回避缺乏理论依据的现实。其实天赋和情怀就在那里，烙印在你身上，人生经历是日积月累慢慢沉淀下来的，不需要努力学习。反而是音乐内功这种东西。没有静下心来学习精神和毅力是最难突破的。所以我不强调这些用脑思考和毅力相关的东西，还能强调什么？
不要把音乐当成一个简单的展示才华的工具(客观上)，它也是你学习精神(主观能动性)的体现。如果你能写出真正的艺术作品，这不仅是你才华的体现，也是你努力学习音乐的结果。音乐不是投机，而是脚踏实地的学习。
最后大家听着自己喜欢的音乐，感叹这样的音乐真是感性的作品，能打动自己这么多。但是请不要忘记作者在写这部作品之前所做的大量理性准备。他们都是经过艰苦的脑力劳动，听磁带，帕谱，学习和理解，用自己的亲身经历写出了这样感人的作品。有没有人见过一个天赋很高但音乐功底很差的人写出非常感人的作品？不难推断，音乐创作水平与音乐修养水平成正比。再有才华，再有经验的人，如果不继续补充自己的音乐功底，很快就会倒下。
总结我的观点，感性和理性对音乐都很重要，但我们需要特别强调理性，因为它是真正的音乐人和音乐投机者的分水岭。
三
从中外音乐的各种比较中强调音乐中的理性；
首先要赞美我们国家的文化，博大精深。但是现在很多文化都不明白自己是怎么形成的，基于什么样的道理，遵循什么样的规则。最明显的例子就是《易经》，它在人类认知世界中的价值早已被众多中外专家所认可。但是为什么2000多年前的古人比今天的人更了解这个世界呢？他们有什么规则让我们重新计算，让我们了解古人的思想吗？不幸的是，没有。中国的文化重视感性，忽视理论。很多时候，只要是正确的，这些方法是如何推导出来的，似乎不是很重要。
中国的传统音乐也是如此。很久以前就有专家分析说，民乐不善于总结，没有形成理论体系，一定程度上限制了民乐的进一步发展。不能说民乐化程度不高，但相对于西方音乐严谨的结构和逻辑，民乐普遍更具观赏性和情感性。其实民乐和西乐追求的境界是根本不同的，两者的统一一定是一个非常艰难的工程。我自问做不到，所以现在只能说说民乐和西乐。
如果是在盛唐时期，中国文化是世界主流，今天我们就来谈谈感性。但遗憾的是，我们现在听到和创作的音乐都是基于西方古典音乐的衍生类型。主流是西方音乐，所以我们要认真研究西方音乐的结构，这对我们正在讨论的话题是有意义的。
有一句不成文的话:“巴赫的音乐包含了音乐的所有可能。”巴赫的音乐是西方音乐的基础，这也是他获得欧洲音乐之父称号的原因。我想知道你是否研究过巴赫的音乐。我学的不多，但我知道巴赫根据小动机，运用各种算法和理论进行移调、变化、反思等等。于是，一个只持续半分钟的主题，发展成了一个持续十几分钟甚至半个多小时的完整曲调。这些歌曲不会让人觉得单调，反而有趣、精致、不可言说，在听觉上起到了极致的作用，也更好的表达了作者的情感。
西方音乐以巴赫的音乐为基础，强调理论、结构、织体、和声等。学习西方音乐，首先要了解的是一系列的作曲技巧。现代西方流行音乐离不开这个大框架。虽然现代音乐的鼻祖是从黑人布鲁斯演变而来的，但西方作曲家在理解了黑人音乐的精髓之后，又加入了传统的作曲技法(当然也根据需要改变了一些理论体系)，因为他们骨子里还是西方音乐。我们现在听到和知道的现代流行音乐，是西方作曲理念和各个民族表达方式的结合(比如布鲁斯)。
例如，据说埃里克·克莱普顿乐队擅长演奏布鲁斯，但除了那些华丽的独奏，你有没有注意到克拉普顿的作曲套路？他用了多少次变调从前奏发展到高潮，再回到原来的主题？这些复杂的作曲套路，在我们国家的流行音乐中还是比较少见的。中国的流行音乐不用调很多遍。只有一次才能说作曲家水平很高，而且通常不是在高潮部分，而是在《桥》到原调大小音关系的过渡部分。克拉普顿所有美妙的知觉独奏都是基于这样一个复杂的和声过程。我们崇拜克拉普顿的琴友，大多只看到那些精彩的独奏，却忽略了他理论的基础和沉淀。
像这样的例子，在任何其他高水准的西方流行音乐中都可以找到。只要你的听力够好，应该能听出西方音乐和中国流行音乐的档次差距。只要注意中西流行音乐中各种细节的对比，也能发现我们国内作曲家的创作思路是多么的简单、贫乏、粗糙。
四
让我们花点时间来谈谈感性。我对感性的理解主要有两点:
第一，我之前说过，只有懂事的人才能写出好作品，这个作品的主题是什么并不重要。
大家都知道艺术来源于生活，高于生活，这是很对的。比如我们看精彩的电视剧，大部分都是曲折、浪漫、构思巧妙的。这就是我们所说的戏剧，影视作品或者所有的表演艺术都是关于戏剧的，这样才称得上是典型的生活。但在现实生活中，这样的情节不太可能发生。没有所谓的巧合，没有所谓的浪漫爱情，没有所谓的无辜或坏人。生活只是平淡，偶尔有小波澜，不太可能像电视里那么夸张(不排除少数巧合)。音乐也是如此。它所表达的情感是人类情感的极致。正是因为它展现了最极致的东西，才会触动听众，让听众感受到音乐的震撼。但是音乐作家本身的生活并没有那么极端，他们都是普通人。但他们不同于常人，他们善于把握这种极端的感觉，这与他们感性的性格是分不开的。他们比常人更容易体会到情感上的微妙，也是经历各种事情后的自然结果。这就是通常所说的生活经验。艺术家需要体验生活，才能培养他们更细腻的感情，而不是简单的要求他们在生活中寻找题材或素材进行创作。不要以为只有失恋的人才配写失恋歌曲。如果他的音乐功底不深，听起来就不像是真正意义上的好音乐。一个感情细腻到仿佛身临其境一样能体会失恋痛苦，但没失恋过的音乐人也能写出好作品。
如果我的观点成立，会给创作者很大的创作空间。很多不切实际的主题都可以用来创作。金庸写武侠是如何体验生活的？回到古代去了解那些流过的血？显然不可能。他只能根据自己现有的经验、情感和认知观，写出自己没有经历过的东西。大量的艺术作品其实是在作者从未经历过的情况下诞生的。我不同意把理论书化，也不同意把经验和感受力限定在一个范围内。
第二，什么样的人写什么样的歌。
这个道理很简单。学生唱纯情歌，愤青唱极端歌，穷人唱通俗歌，富人唱小资歌。但往往我们身边会出现角色错位，让人看着好笑。
比如很多懂点摇滚和音乐的大学生想组乐队，他们都唱愤怒的歌。其实她们穿的好，吃的好，也不是没有女朋友。他们活得这么好，为什么还要唱这么愤怒的歌？原因只有两个。第一，我想炫耀，追随时尚，表明我是一个先锋。二是因为他们平时喜欢听这种音乐，所以也希望做出这种音乐。但是他们忘了自己的思想感情还没有到愤怒的地步，在这么舒服的情况下唱这么痛苦的歌，有点舍不得。
要知道，喜欢归喜欢，但创作音乐的时候，还是要做好自己，基于自己的经验和感受力，结合作曲技巧。不要盲目追求某种风格而忽略了自己的“阶级地位”。装深沉或者装清纯都很恶心。
我对国内流行音乐现状的看法主要是针对学院和政治对音乐的影响:
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其实我一直觉得国内的流行音乐创作存在误区，以至于很长一段时间，除了我们个人的摇滚音乐，更多的是听欧美甚至日韩的流行歌曲。个人认为原因是国内创作水平过于单一，相对较低，而我们国家音乐学院对于真正的流行音乐创作的研究其实是一片空白。看看这些学术词曲作者，谷建芬，徐沛东等。他们写的不是现代流行音乐，而是我们所说的流行歌曲，走中年人路线。而真正的年轻人流行音乐创作，基本都是从大号路开始，街头歌手变身作曲家。仅仅创作了几首歌，就销声匿迹了，让人觉得江郎已经筋疲力尽了。最明显的是李春波和郑钧，而真正学院派的，有正统音乐的，如汪锋和窦唯，他们的成就很大，创作寿命也比较长。可惜他们不是专门研究作曲理论的，只是在学习传统音乐的时候业余时间搞搞摇滚，达不到巅峰。总之，中国是学作曲的，没有创造流行，创造流行的也不是专业作曲家。虽然用这样的杆子杀人有失偏颇，但这种现象还是普遍存在的。我们不能不说，我们的民族音乐学校有一个疏漏，让我们的听众不得不去崇拜外国，甚至哈韩哈里。
说了这么多，目的其实还是集中在一点上，就是希望现在从事流行歌曲创作的朋友们能够认清我国流行音乐创作水平低下的现实和原因，从提高自身的音乐修养和音乐理论入手，走出一条正统之路，把我们的流行音乐从民间带回学院，让我们的音乐复兴起来。
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我的观点是，中国的政治或文化改革有自上而下的传统，自下而上很难形成坚实的生长土壤。
没有当权者的支持，群众的呼声再高也是白搭。只要权威发声，就能产生流行之风。上面人的关注，意味着这个行业会得到特别的发展。下面的人顶多重视一场骚动，要长期持续下去就更难了。
流行音乐就是这么一个东西，下面的人都喜欢，都在做。上面学院的人不屑于搞它(不包括个人，比如三宝)，说明它是大众化的。