关于达芬奇的一切？

新时期意大利文艺最著名的大师和科学家。他出生在佛罗伦萨郊区芬奇，死在法国。他的父亲是一名律师和公证人，母亲是一名农妇。他15岁来到佛罗伦萨，在韦罗基奥的作坊里学习，1472年加入画家公会。个人风格在20世纪70年代中期已经成熟。1482-1499在米兰工作，主要为米兰公爵服务，开展了广泛的艺术和科学活动。《岩间圣母》是他这一时期最著名的代表作。

艺术成就:达芬奇15岁开始在画家A.del verrocchio的工坊学习。1472加入画家公会。70年代中期，个人绘画风格逐渐成熟。从1482到1499，他生活在法国，除了为米兰公爵服务，还从事其他艺术和科学活动。这一时期，他的画作不多，但《岩石中的圣母》和《最后的晚餐》是他的代表作。1500去曼图亚和威尼斯旅游。1506年，他回到佛罗伦萨创作了圣母和圣安娜以及蒙娜丽莎，还开始为市政厅绘制壁画。1507又去了米兰，在法国宫廷服役。1513移居罗马，1516去了法国，最后定居安博瓦兹。晚年很少作画，全身心投入科学研究，死后留下大量笔记和手稿，几乎涵盖了从物理、数学到生物解剖的所有内容。他一生完成的画不多，但都是不朽的。其作品具有明显的个人风格，善于将艺术创作与科学探讨相结合，在世界艺术史上独树一帜，学术界一般将其创作活动分为早期和繁荣期两个阶段。

早期创作:在韦罗基奥的工坊学习时，他表现出了非凡的绘画天才。约1470他在协助韦罗基奥画基督受洗图时，虽然只画了一个站在基督身边的天使，但他的神态、表情、柔和的语气，显然已经超越了韦罗基奥。他最早的作品《告知怀孕》构图没有创新，但对背景景观的描写注意到了空气氛围的表达。这说明他从一开始就致力于解决写作与典型加工的辩证关系。后来的《吉内夫·拉·德本赫的肖像》一反65，438+05世纪艺术追求线条清晰的传统，用背光夕阳的基调渲染了他所倡导的透视效果。创作于1481的《博士来拜》(又译《三王来拜》)是标志其艺术风格成熟的作品。虽然这幅画因为他去了米兰而没有完成，但从原稿中可以看出，其构图和形象塑造所表现出的艺术创新大大超越了他的老师和同行:圣母宝宝和三位医生组成的三角形稳定结构，精确透视画出的建筑遗迹和奔腾的骏马等背景，表明他不再简单地从叙事角度罗列相关人物，而是彻底改造了传统主题。他采用的深色绘画方法，使人物从阴影中脱颖而出，突破了传统绘画中清晰流露的特点，预示了文艺复兴的到来。

盛世创作:1482年，达芬奇来到米兰，应圣弗朗西斯科教堂的邀请，绘制了祭坛画《岩石圣母》。虽然现在藏在巴黎的这幅作品仍然是一个传统的主题，但它的人物塑造、洞穴深处的雕刻和岩石间花草的真实描绘，证明了他的烟雾笔法使它在传真现实主义和艺术处理方面达到了一个新的水平。《最后的晚餐》是他这一时期最著名的作品。这幅湿壁画展示了基督被捕前与门徒们的告别场景，是在米兰圣玛利亚德拉格欣修道院的餐厅里画的。商业营地巧妙的构图和巧妙的布局，使画面上的大厅与生活中的餐厅建筑结构紧密相连，使观者感觉画中的场景仿佛就发生在眼前。在人物布局上，基督以桌子的形式摆放，使他独立于画面中心。其他弟子通过他们不同的手势和表情表现出恐惧，愤怒，怀疑，忏悔和恐慌的情绪。这种典型人格的描写，突出了绘画的主题，与构图的统一效果相得益彰，堪称艺术史上最完美的典范。达芬奇于1500年回到佛罗伦萨。随着和谐制度的恢复，文化氛围一度活跃，绘画界出现了米开朗基罗、拉斐尔等杰出人物。他向公众展出了一幅精心构思的圣母子和圣塔安娜的素描，立即引起了轰动。它的构图原理和绘画方法对艺术界产生了很大的影响，米开朗基罗和拉斐尔也受到了它的启发。1503年开始为市政厅会议厅画壁画(因为又去了米兰，所以一直没有画完)，同时创作了《蒙娜丽莎》和《圣母》和《圣塔安娜》。这是他非常珍惜的两部作品，他一直带在身边。他晚年移居法国，并留在巴黎。

在达芬奇的艺术遗产中，大量的素描也值得关注。这些素描和他的正式作品一样，都达到了很高的水平，被视为素描艺术的典范，其特点是:细致入微的观察，刚柔相济的线条，尤其擅长用疏密不一的斜线来表现光影的微妙变化。他的每件作品都是以素描为基础的。他的艺术理论散见于五千多本笔记和他未完成的绘画理论中，这也是文艺复兴时期代理理论研究的一大成果。

关于达芬奇的大事记:

1452年4月15日，塞尔·皮埃罗·达芬奇和卡特里娜出生在意大利佛罗伦萨郊区的文西村。

1465年进入维罗奇奥工作室，成为入门弟子(13 ~ 14岁)。

1473年，他创造了“神圣通告”

1476年，他被指控与韦罗乔的其他弟子有同性之爱。因为他否认，最后被释放(24岁)。

1482画《朝拜三贤》回到米兰(30岁)

1483年被旧金山接受，大教堂订购了岩石上的圣母像(31岁)。

1495开始画最后的晚餐(43岁)。

1502 ~ 03回到佛罗伦萨，开始画蒙娜丽莎(50岁)。

1516应法王邀请，前往法国安博瓦兹(64岁)。

1565438+于2009年5月2日在安布瓦兹去世(享年67岁)。

作品:

《蒙娜丽莎》是达芬奇的杰作之一。油画。这幅画描绘了佛罗伦萨商人乔康多的妻子。画面上，人物侧面略显，轮廓整齐，头上戴着薄薄的面纱，嘴角微微抿起，脸上带着微笑。他的双手自然的放在一起，美观大方。画家对人物的表情和心理进行了深刻的分析和艺术的概括，抓住了人物脸上那种只是可感知而不固定的微笑，使转瞬即逝的面部表情成为欢乐的永恒象征。崇高、纯洁、温柔、端庄、自信，这种迷人的微笑被艺术史学家称为“神秘的微笑”。画家还下了很大功夫刻画蒙娜丽莎的右手，柔若从袖中流出，富有表现力，富有生命力。它被誉为艺术史上最美丽的手，使人物看起来特别温雅，平静而安详。衣服和颜色都深而简单，没有任何装饰，以免分散观众对人物的注意力。画面背景朦朦胧胧，隐约可见重叠的山峦、蜿蜒的道路和一片雾蒙蒙的湖泊，充满了诗意的意境，表现出广阔而深远的空间感。列奥纳多本人也很珍惜这幅画，他总是借口这是一幅“未完成的作品”而随身携带。这幅画被后人列为“杰作”，充分表达了达芬奇的人文主义理想，是画家人生哲学和审美理想的形象体现，对欧洲写实肖像的发展具有重要意义。

《最后的晚餐》是达芬奇的杰作之一。壁画。这幅画取材于《新约》中犹大背叛耶稣的故事。图为:当耶稣和他的12门徒* * *进行最后一次晚餐，期间耶稣突然说“你们中有一个人要背叛我”时，12门徒的表情发生了巨大的变化，人物的内心反应。耶稣坐在中间，神色平静而慈祥，摊开双手，好像刚刚说完那句话。12门徒三人一组坐在耶稣身边。在左边，约翰，彼得和犹大在一组。犹大急转身，手里拿着装着银币的钱包。他脸色阴沉，眼睛似乎在瞟着耶稣。约翰把手放在桌子上，看起来很焦虑。他把彼得的头插在犹大和约翰之间。他向约翰弯下腰，像是在问他什么，手里拿着一把刀，像是知道谁是叛徒正要拿刀捅他。左边是安德烈、小詹姆斯和巴托罗。小雅各布面向中心，伸出手，好像要拉彼得。安德烈面对着中心，看起来很害怕，而巴塞洛缪站起来，手放在桌子上，目瞪口呆，怒气冲冲。右边，年轻的菲利普从座位上跳起来，带着问题转向耶稣；老雅各布气得张开双手，身体微微后仰。托马斯举起手，转向左边，好像在提防犹大。再往右是纹身，马修和西蒙。简而言之，12门徒的手势都是直接或间接聚焦在耶稣身上。它们相互呼应，相互映衬，形神兼备。整个画面由生动的细节组成，形成一个完美的整体。耶稣身后的三扇窗户透着夕阳的余晖，三面汇聚的线条像一个神圣的光圈，显示出耶稣的庄严和光明磊落。画家以惊人的艺术力量渲染了《最后的晚餐》中紧张紧绷的气氛，是一部揭示人类灵魂的不朽杰作。它在主题的深刻阐述、构图的完美浓缩、戏剧性的构思和人物心理描写的丰富等方面表现突出，代表了文艺复兴的巅峰。

《岩间圣母》是达芬奇的代表作之一。油画。这些画基于宗教故事。图为一个名叫约翰的孩子，在天使的陪伴下，在一个山洞里朝拜圣母玛利亚和耶稣。在人物和人物关系的刻画上，画家赋予了玛丽巨人的魅力。她的左手伸过孩子的头保护他，右手靠在约翰身上，显示圣母对下一代的爱。约翰双膝跪下，双手跪拜耶稣，耶稣也回报并祝福了约翰。而天空指着他们，仿佛在告诉别人这一幕。画面人物不多，构图简洁，但人物充满活力，人物之间相互联系，相互呼应，使画面所体现的精神统一和谐。虽然是宗教画，但人物已经世俗化，祭拜的场景失去了宗教的仪式性，变得符合人间的人情味。施洗约翰和耶稣也是充满活力的可爱的孩子。玛丽体现了年轻母亲的幸福和爱，而天使则变成了人间的美丽少女。这些人物真正体现了美人的概念，没有任何宗教气息。美丽崎岖的岩石和通透的前景，进一步渲染了画面中的世俗气息，衬托出现实中人的伟大。

《施洗约翰》是达芬奇的名画之一。油画。这幅画是基于圣经中的人物:约翰，传教士，将按照上帝的命令为耶稣受洗。当他从约旦河中舀出圣水为耶稣受洗时，天空突然裂开，一只鸽子形状的圣灵出现在裂开的天空中。从此，约翰跟随耶稣传道，被称为“施洗约翰”。画面中，黑暗的背景上，施洗约翰赤裸着上身，而整个身体都淹没在黑暗中，只有从右肩到手臂、脸部、右手和隐约可见的左手，暴露在灯光下。施洗约翰留着长发，像一个年轻的牧羊人。他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上带着狡黠而神秘的笑容。这幅画虽然是传统题材，但对人物和背景的描写是前所未有的。事实上，施洗约翰在黑暗中指向天堂，揭示了画家此时内心的苦闷和彷徨。

《拜访医生》，达芬奇的名画之一。油画。这幅画是基于《圣经》中的东方三博士在耶稣诞生时前来朝拜的故事。在这幅未完成的作品中，画家不再简单地从叙事角度罗列相关人物，而是在构图和形象表现上表现出强烈对比的艺术创新:圣母宝宝和三位医生组成一个三角形的稳定构图，但周围的人却以激动的手势围着转圈，就像一个人的漩涡；背景中，精确透视法绘制的建筑遗迹也与疾驰的骑兵形成强烈对比。在刻画前景人物，尤其是围观者时，色调偏暗，使形象从阴影中闪耀出来。与15世纪绘画中清晰流露的特点相反，他力求含蓄含蓄，在艺术手法上形成了他独创的烟熏色调。所以这幅画虽然没有完成，但说明达芬奇的艺术论述已经大大超越了他的同龄人，预示着文艺复兴风格的到来。

圣女和圣安娜和圣家族是宗教壁画中最常用的圣经主题，不同的画家有各自的表现特点。莱昂纳多·达·芬奇在这幅油画中强调的是圣塔·安娜的形象，尤其是对她的面部表情的精心雕琢。虽然他的女性“微笑公式”在这里再次暴露，但作为达芬奇现实主义的最高审美理想，他几乎像追求自然界一切未知的奥秘一样去追求。他曾说:“自然是如此受欢迎，如此多样，取之不尽。即使是同一个物种的树也不会遇到一棵和另一棵完全一样的树，而且……人们也不会遇到一棵和另一棵完全一样的树。”达芬奇要求画家成为自然之子。在他看来，科学和艺术都属于认识世界的过程。这也是意大利文艺复兴绘画的价值所在。

《一位戴珍珠头饰的女士的侧面画像》大约画于1490年(这期间他画了很多画像，至今保存下来的只有几幅)。众所周知，达芬奇所画的女性肖像中不可避免地存在着“微笑公式”，但也不完全如此。总的来说，他的审美观是科学的、现实的。他专注于探索自然规律。达芬奇认为美丽的女人是大自然最完美的产物。他曾说:“想象一下，夺走如此美妙的自然造物的生命是多么残忍。”所以在处理人像时，他总是研究人的精神气质和外貌结构。这幅女人的侧面画像特别准确:一位古代贵妇人细致的面部轮廓、美丽整齐的头发、头饰上的珍珠，都是他仔细观察、研究、刻意描绘出来的。那一串串长长的珍珠从头到脚，几乎每一个人的门面、亮点和醇厚感都被精心描画过；黑色的斗篷和红色的束腹外套紧紧地衬托着女人丰满的胸部，从而增强了淑女的奢华和庄重。如果说达芬奇在《蒙娜丽莎》中关注的是她神秘的微笑，那么在这里，画家用精准的素描结构赞美了这个女人绝世的容貌。

“安加利之战”和“安加利之战”是15世纪40年代初佛罗伦萨和伦巴第贵族军队之间的战争，结果是佛罗伦萨贵族军队获胜。市政当局画了这幅壁画来纪念这场战争。达芬奇不想用彩色铅笔歌颂贵族之间的冲突。他用这个主题来描述这场战争的残酷，他在笔记中称之为“最野蛮的荒谬行为”。画家为了揭露其本质，突出战争处于紧张时刻，即双方为争夺军旗的疯狂厮杀。为了理解达·芬奇最初的想法，这里我们引用画家本人的一段话:“战争中，尘土飞扬，硝烟弥漫，战士脸上痛苦的表情反射着闪耀的光芒。伤兵伤马横七竖八，乱作一团，箭雨如蝗虫般四处飞溅。追赶者扬起蓬松的卷发，马匹拖着死尸在泥泞的地面上留下深深的沟痕，地上全是血迹。在死者和仍然活着的受伤士兵周围，有破碎的盾牌、长矛、战刀、头盔、流血的伤口、呆滞的眼神，等等。”从字面上看，列奥纳多并没有把他想象的所有场景都搬到画面里。就像他的其他一些伟大的想法一样，这幅画永远是一幅未完成的杰作。这幅画最后没有画成彩色壁画，素描也没有保存下来(米开朗基罗的《加西纳之战》也没有保存下来)。根据瓦萨里的说法，当时使用了非常粗糙的底漆和不成功的干燥方法。粉刷后不久，墙上的颜色开始下降。这是根据之前的副本和劳伦佐·柴可夫斯基的一幅版画，以及为这幅素描准备的一些素描(达芬奇为这幅壁画留下了一些材料手稿，现藏于布达佩斯艺术博物馆，还有几幅完整的士兵素描)。这幅素描来自于17世纪画家鲁本斯的素描副本。

《达芬奇密码》引起了另一场“达芬奇热”。关于他还没有一个明确的研究结果，或许很多关于他的信息也不方便向外界透露。面对这么多未解之谜，我能收集的就只有这些资料了。

参考资料:

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