电影大师，请进。。。
代表作:《大白鲨》、《外星人》、《《侏罗纪公园》》、《辛德勒名单》、《失落的世界》、《拯救大兵瑞恩》。
奖项:1998，《拯救大兵瑞恩》获得美国奥斯卡金像奖最佳导演奖；1995，美国电影学院颁发终身成就奖；1993年，《辛德勒名单》获得奥斯卡最佳导演奖。1986年被美国电影艺术学院授予欧文塔尔·波格成就奖。
就个人特征而言
詹姆斯·卡梅隆的性格有点格格不入，但他的能力并不能被这个缺点掩盖。
他喜欢有创意的剧本、完美的特技、栩栩如生的人物和频繁出现在他电影中的女英雄。
星球大战就不用说了。
在他的大多数电影中，他似乎都喜欢有一个强壮的男人，从史泰龙到施瓦辛格。
他淋漓尽致地表现了自己的理解力
还有电影《泰坦尼克号》，电影史上褒贬不一，却忠实地保持了詹姆斯·卡梅隆电影的一贯风格，精彩的剧情，高超的特技。
在每一篇详细描述詹姆斯·卡梅隆生平的文章中，几乎都不可避免地要用到“臭名昭著”这个词——没错，他是拍摄地一个贪婪霸道的“暴君”；在家庭中做一个不体贴不体谅的丈夫；在好莱坞同事眼里，卡梅隆是个偏执又烧钱的机器。然而，在很多普通粉丝看来，这些指责完全无关紧要。他们要么是吹毛求疵，要么是出于嫉妒的恶意攻击。世界上只有一个詹姆斯·卡梅隆，那就是伟大的英雄詹姆斯·卡梅隆，伟大的天才詹姆斯·卡梅隆，无与伦比无所不能的导演詹姆斯·卡梅隆。
毫无疑问，詹姆斯·卡梅隆是20世纪最杰出的导演之一。他两次创下最高电影投资纪录，拍出了世界上最受欢迎的电影，追平了奥斯卡获奖电影的纪录，每部电影都为未来的电影树立了技术标杆。谈到詹姆斯·卡梅隆，人们就不能不提到另一位杰出的商业电影导演史蒂文·斯皮尔伯格。能够和这个二十世纪的电影巨擘相提并论，本身就说明了卡梅隆在人们心中的崇高地位。在下面关于卡梅隆生平和作品的叙述中，作者不禁将他与斯皮尔伯格相提并论。
我出生在洛杉矶，小时候喜欢玩火车模型。另一个最喜欢的游戏是建造一个小火山，然后摧毁它来玩火山爆发。当他长大成为一名导演时，他终于可以在银幕上实现童年的梦想了。作为一个年轻的导演，迈克尔·贝是从MTV和广告起家的，电影作品也不算多，所以他不会放弃每一个让他沉迷电影的机会。以动作片为主的好莱坞，一直缺少独立动作片导演，早些年拍《终结者》、《泰坦尼克号》的詹姆斯·卡梅隆就有；最近开拍《《指环王》》系列的新西兰导演彼得·杰克森和来自香港的“外援”吴宇森都是动作片的大牌导演。说到支撑美国电影票房半壁江山的动作片，著名动作片导演迈克尔·贝是不可或缺的人物。
1995《绝地战警》在美国票房6500万，低成本高票房，为迈克尔·贝打响了第一枪。
1996《勇敢的岛》全球票房3.4亿，这是迈克尔·贝事业的第一个高峰。
1998《世界末日》全球票房5.5亿，是迈克尔·贝最成功的电影，甚至在全球票房上赢了史蒂芬斯皮尔伯格的《拯救大兵瑞恩》近一亿。
2001，《珍珠港》全球票房4.5亿，但影片并不是彻底失败，只是中等距离。
2003年《绝地2》全球票房2.5亿，延续了第一部的成功。在这部电影中，迈克尔·贝在处理动作场面方面也有一些优势，但这部电影的投资远远高于第一部。这样的票房收入也让杰瑞·布洛克·哈莫和迈克尔·贝的合作走到了尽头。
2005年《逃离克隆岛》投资654.38+0.3亿，美国票房只有3000万。在江郎筋疲力尽的迈克尔·贝完全失控了。这是他加盟梦工厂的第一部电影，却以票房和评论界双双落幕。
2006年的变形金刚现场版，是梦工厂2006年的重头戏，原计划由史蒂文·斯皮尔伯格制作，迈克尔执导，但《逃离克隆岛》的失败迫使梦工厂重新考虑这样的投资是否值得。(2006)
说起法国导演吕克·贝松，很多人都知道他。即使他不知道贝松的名字，恐怕他也不会没看过他的电影《黑仔·莱昂》和《第五元素》。但是当我准备写这篇文章的时候，我在国内几乎找不到任何关于他的背景资料。这种尴尬的局面也发生在自己的国家法国:虽然贝松在国际电影界的知名度正处于巅峰，但在以推崇艺术电影著称的法国，吕克·贝松一直是一个毁誉参半的孤独探索者，他甚至被形容为向好莱坞电影投降的反面典型。为此，抑郁的贝松经常漂洋过海到好莱坞寻找知音。
蓝天碧海，丁儿时的梦想
吕克·贝松于0959年3月65438日出生于巴黎。他童年的梦想是成为一名潜水员和航海家。但17岁时的一次跳水事故，打破了他儿时的梦想。贝松很快调整了自己的人生目标。立志做电影制作人，19岁来到洛杉矶，学了三个月电影制作。并开始拍摄一些实验短片。1983年，贝松的电影处女作《最后一战》问世。这部获奖的无声科幻电影，黑白宽银幕，据说是23岁时用3法郎6个苏拍的。吕克·贝松(Luc besson)似乎向世人证明了，在法国，即使你没有受过专业的电影教育，找不到投资，你仍然可以拍出独一无二的电影。正因为如此，贝松一度被视为法国年轻导演的先驱，不管他喜不喜欢。地铁和碧海蓝天为吕克·贝松赢得了国内外的声誉。虽然法国塞萨尔奖在只把“最佳录音”和“最佳音乐”奖颁给《碧海蓝天》时有点小气，但贝松公开表示，这部电影是他导演生涯中最值得骄傲的作品。毕竟这部作品倾注了贝松少年时的激情和梦想，贝松终于可以用相机捕捉到童年时看到的海洋的光影和生命。影片中的潜水员杰克最终葬身大海。更准确地说，那是他真正的生存。杰克不就是贝松理想的化身吗？
上世纪80年代，法国出现了所谓的BBC青年导演，也就是贝尼克斯、贝松和卡拉克斯(Besson，Carax)三位新锐导演，他们有很多相同点和不同点，但他们最大的相同点是对蓝色莫名的偏爱。从贝内克斯1980拍摄的电影《女歌手》来看，蓝色充满了银色的倾慕，而卡拉卡斯拍摄的是卑微的血统。贝松的《碧海蓝天》从题目到内容都是蓝色调。贝松对大海的向往和苦心营造的浪漫情怀自然无与伦比，他精彩的水下摄影或许也让《钢琴课》和《泰丹尼克》的导演受益匪浅。
法国孤独的探险家
《尼基塔》和《黑仔·莱昂》是吕克·贝松从艺术电影到商业电影的成功转型。《墓塔》讲述了一个暴力集团的女性成员如何转型为国家职业特工杀手的故事。她作为特工杀手的身份和她深沉的爱以及人性的萌发构成了这部电影的独特之处，而黑仔·莱昂则讲述了一个渴望善良的杀手和一个渴望邪恶复仇的女孩之间的故事。这部充满艺术气息的法国商业电影至今仍是全世界电影学生的榜样，很多细节，比如里昂身边的绿植，以及精彩的对白“记住永远不要杀害妇孺”，都让人难以忘怀。光是那种绿色植物就超出了好莱坞编剧的想象。《黑仔·莱昂》获得塞萨尔奖最佳影片奖，贝松获得最佳导演奖。20世纪90年代以来，法国艺术电影的繁荣将法国商业电影推向了尴尬的境地。在法国之外，拍艺术片需要很大的勇气，因为你要面对严峻的生存问题。在法国，就不一样了。如果一个电影艺术家想拍出迎合大众口味的商业片，似乎需要更多的勇气。吕克·贝松就是这样一个“时代错误”的导演。
上世纪80年代中期，贝松在拍摄了《地铁》、《雷海蓝天》等艺术电影后，被法国评论界称为有前途的青年导演。20世纪90年代，贝松在拍摄了《莱昂·黑仔》和《第五元素》后遭到了法国电影理论家的鄙视。第五元素(1997)全球盈利2.7亿美元，位列当年世界电影第三。无论影评人如何评价这部电影，它都为我们展现了一个法国导演眼中的未来世界，在电脑高科技和时空的叙事中，带给我们一点不同于好莱坞大片的历史人文内涵。
吕克·贝松是当代法国电影界最引人注目也最具争议的导演。虽然《第五元素》的商业成功让法国最大的电影公司高蒙的营业额翻了一番，但贝松在中国却经常被描述成向好莱坞电影投降的反面教材。为此，抑郁的贝松经常漂洋过海到好莱坞寻找知音。电影《第五元素》融合了科幻、冒险、打斗。这是欧洲第一部耗资近1亿美元的英语对话电影。显示了法国电影人复兴本国和欧洲电影工业的决心和勇气。该片获得1997戛纳国际电影节技术奖。这个真实的故事最初是由吕克·贝松在16岁时构思的，当时卢卡斯的《星球大战》刚刚上映。很明显，
20年后，贝松仍然痴迷于他童年的想法。经过20年的策划，剧本具备了贝松前五部故事片的基本元素。尽管有评论认为《第五元素》似乎更像是一部法国未来主义的闹剧，而且只是很好的视觉效果，但当1997作为开幕影片在第50届夏延电影节开幕式上放映时，这部代表23世纪人类未来的科幻电影仍然引起了轰动。影片中，布鲁斯·威利斯饰演的主人公驾驶着他那辆抵抗地心引力的黄色出租车在纽约市上空飞行，丝毫不逊色于卢卡斯的星际飞船。看着《星球大战》长大的贝松，20年后终于和卢卡斯站在了一起。
吕克·贝松走向世界。
早在《碧海蓝天》中，吕克·贝松就表现出对大制作、大场面的迷恋和追求。从《第五元素》和《圣女贞德》开始，贝松与自己曾经所属的电影形式渐行渐远，将目光投向了国际市场，不仅在体裁上玩花样，制作成本也在不断升级，这可能是贝松在自己国家饱受诟病的主要原因。这时，好莱坞开始从世界各地招募人才，吴宇森和吕克·贝松成为其首选。贝松的法式浪漫风格，吴宇森的东方英雄情结，都被好莱坞忽视和模仿。贝松最后用《第五元素》和《圣女贞德》证明娱乐大片不是好莱坞的专利。法国人不仅能拍低成本、小规模的艺术电影，还能拍出在全世界都有利可图的商业大片。一个法国人可以在美国领土上“与他们竞争”。今天的贝松似乎是一个成功的例子。我们可以毫不犹豫地把他当成和斯皮尔伯格同类型的商业电影导演，但我不知道贝松能走到今天。付出了巨大的代价。
作为第一部高成本的欧洲电影，第五元素1997暑期档在影院上映时，票房一开始并不乐观，习惯看艺术片的法国观众和受好莱坞商业大片影响的美国观众并没有太大的兴趣。影评人的反应也是贬低大儿子，电影最致命的地方在于其高达6543.8亿美元的巨额成本。但是奇迹发生了。第五元素实际上克服了它的先天不足和不祥预兆，在不到一个月的时间里就在西方几个主要国家广泛放映。这部电影大赚了一笔，但评论界对贝松和这部电影仍然保持低调。
吕克·贝松并没有因为这些评论而动摇自己的追求和信念，而是想拍一部让法国人和美国人都叫好的电影。他的《圣女贞德》选取了历史与现实、民族与国际的恰当交融，拍摄结束后受到了人群的好评。圣女贞德是法国人眼中的女神。她用自己的生命创造了一个不朽的传奇。关于圣女贞德的作品数不胜数，但电影史上值得留下的只有三部。分别是:德雷耶导演的《圣女贞德的激情》，为无声电影时代画上了一个美好的句号；布莱森导演的《圣女贞德的激情》极其忠实于宗教情节和原始审判材料:吕克·贝松花了三年时间拍摄的史诗大片《圣女贞德》。
布莱森的《圣女贞德之火》只是截取了一段圣女贞德被审判并上火刑柱的历史事实，展现了女主人公的宗教信仰和历史的真实瞬间。吕克·贝松的《圣女贞德》展现了英法百年战争的波澜壮阔以及贞德作为一个女孩和一名法国士兵的浪漫情怀。和布莱森一样，吕克和贝松也是中国电影界孤独的探索者。也许这是这两位不同时代的法国导演唯一的相似之处。也许正是这种唯一的相似性，让他们也更喜欢圣女贞德这种历史人物，只是他们对历史人物的解读不同罢了。在吕克·贝松的导演笔记中，我们可以看到贝松对圣女贞德的评价:圣女贞德是我们的祖先，她在信仰与纯真之间所捕捉到的东西，在她那个时代丢失了，就像我们在自己那个时代丢失的东西一样。"贝松在这部影片中表达了他对这段历史的独特思考:"人类的思想是否一定要遵循这样一条曲折的道路，才能发现隐藏在邪恶背后的善良？"
吕克·贝松，一个孤独的电影探索者，即使在他的商业大片中，我们也能感受到他对历史和人生的终极理解，触摸到他作为一名法国军人的心路历程。无论是《碧海蓝天》中的杰克，《黑仔·莱昂》中的杀手还是《圣女贞德》，我们都会觉得这就是吕克·贝松。
吴宇森1946年9月22日出生于广州，1951年随父母移居香港。因为父亲生病不能工作，母亲不得不承担养家的重担，生活十分贫困。父亲中学刚毕业就去世了，因为母亲在工地搬石头养家，他只能放弃去台湾省学建筑或者美术的梦想。此时，吴宇森在一所基督教学校学习，精读了许多神学、历史、哲学和美术方面的著作。当吴宇森在中学的时候，他经常溜出教室去电影院看电影。他最喜欢的电影是好莱坞黑帮片、西部片和黄金时代音乐片。这些电影的相似之处在于画面充满动感。吴宇森最欣赏的导演是法国暴力导演皮尔·梅尔维尔，他的作品充满了暴力中的人情味。但是对吴宇森影响最大的人是山姆·佩金法，他拍摄了《野人帮》。可以说吴宇森电影中慢镜的运用，以及圣歌中让角色为生命而战的方式，都是山姆电影语言的发扬光大。
1971年，吴宇森前往邵氏电影公司与当时最著名的动作片导演张彻一起拍摄电影。张彻的作品在当时的电影市场上泛滥成灾，吴宇森也从中学到了很多专业技能。用吴宇森的话来说，“如果把张彻电影里的刀换成枪，会和我的英雄很像。”在张彻身边两年后，吴宇森开始了他的第一部作品《路人》。这部电影的武术指导是当今香港电影界的大哥成龙。当时两人都是电影界的年轻玩家，所以路人没有产生任何反应。之后去嘉禾当了十年导演(1973-1983)。在这十年间，他制作了许多完全取悦市场的喜剧。1973年执导《铁男柔情》，之后又拍摄了多部低成本电影，如《女子跆拳道社》(1976)、《帝王花》(1976)、《少林门》(1976)。《夜归人》(1978)、《浩侠》(1979)、《滑稽时代》(1980)、《八色林雅贞》(1982)等喜剧电影。这一时期被他自己称为“喜剧的十年”。
从1983，他从嘉禾到新艺术城后，事业沉入谷底，被派往台湾省近三年。但他也在《乌云背后都有一线希望》中结交了很多台湾省的好朋友，也看到了台湾省娱乐圈里浓郁的人情味，与香港不同。在1985的笑点票房惨败后，他独自回到香港，加入了徐克的“电影工作室”。20世纪70年代末，他受聘于中国电影制片厂，担任制片助理和编剧检查。在此期间，美国新锐导演山姆·企鹅和斯坦利·库布里克给了他很多灵感，他们作品中的暴力对他产生了深远的影响。20世纪80年代中期，吴宇森的电影事业停滞不前。1986年在徐克的帮助下成功导演了《英雄本色》，奠定了吴宇森暴力美学的电影风格，甚至后来的《英雄本色2》(1987)、《血色两侠》(1989)也沿袭了这一风格。
《英雄》不仅是吴宇森人生的转折点，也是香港电影的一座丰碑。在创作这部电影时，吴宇森的英雄主义是不可避免的。电影界多年积累的挫败感和复仇感渗透到每一个画面，他精细的导流和流畅的剪辑在今天依然无可挑剔。这个大场面和高质量的作品震惊了所有观众和电影人。影片也为港片找到了一大批人才，如徐克、程小东、潘恒生、张国荣、周润发，他们也是当年电影界的失意者，被称为“票房毒药”。吴宇森赌了一把，但他赢了。一群沮丧而蛰伏的男人征服了他们的命运，并相互产生了灿烂的光芒！
一场热血双雄(1989)或许是吴宇森一生中最重要的代表作。到目前为止，吴宇森的作品没有一部超越这部电影所营造的意境:无法用任何东西衡量的友情，彼此欣赏的江湖兄弟，以及他们不可动摇的做人原则。吴宇森用极其自信的手法让暴力世界弥漫着难以言喻的浪漫，华丽自如的控制镜头、精炼的对话、舞动的枪战令人着迷。影片结尾在教堂里的生死之战，最能代表暴力美学的精髓:烛光下映出的圣母，背景中掠过的白鸽，一对本不该是生死之交的朋友，* * *都进行着各自的正义。就像吴宇森说的“这是我最想用镜头表达的。哲学电影和侠义主角也表达了我的理想。”
《血色两侠》之后，吴宇森因为意见不合离开了徐克的“电影工作室”，成立了自己的公司，拍摄了《血色街头》、《流浪世界》、《硬汉大侦探》等动作片。
1993环球影城投资吴宇森执导尚格云顿主演的《终极目标》。虽然《终极目标》上映后《洛杉矶时报》把吴宇森作为头版人物，电影卖出了1600份，但这是一部陈腐的吴宇森电影。影片中虽然有白鸽在圣歌中翩翩起舞，但缺乏一贯的诗意，更像是尚格云顿的动作片。事实上，吴宇森电影中的武打镜头在香港导演中甚至算不上平均水平，所以在电影上映后，环球影业派出了“资深动作片剪辑专家”对电影进行重新剪辑，以适应尚格云顿的影迷。所以我们今天看到的终极目标并不是真正的吴宇森电影。
1996年由20世纪福克斯公司接手《断箭》。《断箭》最吸引人的地方在于，饰演叛徒的约翰·特拉沃尔塔模仿周润发的每一个动作，从玩世不恭的微笑到抽烟的姿势，魅力十足。同时吴宇森设计的动作场面和各种细节让人应接不暇。这部电影是吴宇森第一次按照美国电影的套路下大功夫。此时，他已经真正掌握了好莱坞动作电影的命脉。
1997的脸/关是吴宇森电影生涯的又一个高峰。吴宇森在影片中找到了东西方世界都崇尚的那种“人道主义精神”和“家庭观念”，着重刻画了女性角色的坚强和温柔，得到了女性观众100%的认可，很多从未看过动作片的女性观众也被这部电影迷住了。和以往处理人物的风格一样，本片的主人公也是在善恶之间。影片中的约翰·屈伏塔和尼古拉斯·凯奇，原本一个代表善，一个代表恶，但互换面孔后，基本上变成了同一个人的两种人格。最有趣的情节是，有时候坏人比好人更能处理一些事情。比如凯奇给特拉沃尔塔改头换面后，给了妻子真正的浪漫，教女儿如何保护自己。吴宇森在影片中充分发挥了凯奇和特拉沃尔塔的演技天赋，他让观众在看到他们眼神的变化时感受到了他们的心理变化。吴宇森对两位巨星的处理表现出了大师风范，凯奇和特拉沃尔塔事后印象深刻。他们认为吴宇森设计的这部剧实现了他们的酷梦。而这显然不是恭维。投资高达1亿美元的《FACE/OFF》被美国影评人视为“最吴宇森风格”，并在7月一举拿下美国票房冠军。同时，他还为吴宇森带来了美国国家华人艺术基金会颁发的最高荣誉“金戒指奖”。
他通常被称为“暴力美学大师”。事实上，在暴力的外衣下，他的电影侧重于描述人物之间的友谊，人与时代的关系，以及对现实社会的一种困惑。但是，最好是正面的。他善于通过事物来表达感情，比如他电影中经常出现的“鸽子”和“教堂”。