【摄影笔记】光影瞬间——温馨唯美系人像摄影训练攻略(未完成)
这一切都是通过摄影师的构思、拍摄、后期制作来实现的。人像创作也有各种可能性。摄影师只要有足够的准备和技巧，随时随地都能拍出漂亮的照片。
我一开始是一个单纯的业余爱好者，忽略了摄影的理论和基础，跟着自己内心对摄影的热爱和对生活的理解，坚持从自己的角度进行审美，用自己的方式拍照。
从兴趣爱好到拥有自己的独立工作室，一路支撑我的不是强大的理论和技术，而是我对爱、美的向往和坚持，对温暖美好的事物的向往和坚持。也许正因为如此，我形成了自己的一套拍摄思路。
我会跋涉千里去一个地方拍一张漂亮的照片，为了一个脑海中的样子，我会反复设计和考虑光影、服装、妆容。
有两种摄影作品最吸引人，一种是最真实的，一种是最美的。
好的人像摄影也应该是摄影师内心世界的外化。任何一种表达都是基于拍摄者对生活的感受。不管是什么内容，只要观众能感受到摄影师的世界，用照片拉近双方的距离，作品就成功了。
至于观众能否产生* * *以及是否喜欢你的作品，我相信每一种风格自然都会有喜爱的人。
摄影只是一种表达方式。重要的是你表达了什么，你用什么样的视角去观察这个世界，用什么样的方式去理解和感受身边发生的事情。摄影改变了我的生活，改变了我看世界的方式，让我逐渐找到了自己的价值，让我可以朝着自己想要的人生目标努力。所以，在你拿起相机之前，你要学会观察，学会感受，让你的感受细腻而丰富。
同时，摄影也是一门卓越的艺术。想要得到最理想的作品，需要不断进步。
摄影水平提高的过程，其实就是摄影师审美水平的螺旋上升过程。如果摄影遇到瓶颈，很多时候阻碍你提升的不是摄影技术，而是你的审美水平。
所以这个时候我们需要做的就是放下相机，看看其他摄影师的作品，看看世界名画，看看经典电影，这对审美的提升是有帮助的。
从商业角度来说，客户选择摄影师，其实选择的不是摄影师的作品，而是摄影师的审美。每一个摄影师之前的作品，即使你再喜欢，也不可能一模一样的复制。所以你要选择相信摄影师的审美，相信他(她)会给你创造更美好的回忆。
摄影真正的学问在于通过拍摄表达摄影师的审美观，甚至是人生观和世界观。在这样的过程中，经验和理解比学习和记忆更重要。摄影的学习过程更多的是来自实践和感悟，日积月累。
一张好的照片从灵光一现到最终成片，包括构思、服装道具准备、前期沟通、场地布置、妆容造型，再到拍摄，接下来就是后期修图、排版、出版、网络传播或者营销。拍摄只是一步。真正决定作品质量的，是摄影师按下快门前后的所作所为。
一张有魅力的人像摄影最重要的是有情怀，有摄影师自己的审美和想法，这也是决定你的照片是否有鲜明的风格，有别于其他同类照片的决定性因素。
风格是指一件艺术作品通过外在表现出来的某种统一特征。我们可以通过照片的表面信息将照片归类为某种风格，而真正决定风格的，其实是作品的内在，是摄影师对审美的独特而鲜明的表达。
审美简单来说就是你喜欢什么，讨厌什么。无论你是喜欢曝光准确、细节丰富、对焦锐利、焦外油的人像作品，还是喜欢背光昏暗柔和、若隐若现、光影交错的照片，都取决于你的内心，而不是别人。要找到自己的风格，首先要摒弃从众心理。
拿起相机拍下来。是生活记录照片。唯美人像摄影需要摄影师在拍摄前做大量的思考和自我批判。你在拍什么，你想通过照片表达什么，如何表达你的想法？每次拍摄前，你的脑海中应该有一个清晰的定义。
即使影片和想象中有差距，也要学会分析这种差距的原因。只有经过无数次的练习，才能从中感受到自己。思考，实践，再思考，风格会在这个循环中逐渐清晰。
即使你不能用固定的词语描述你的风格，至少在下次拍摄前你会知道你要拍什么，为什么要拍。
关于摄影风格，相信大家都会经历很长一段时间来建立一个模糊的定义。拿起相机已经四年多了，我还是觉得很难定义自己。
但我希望的是，我的风格足够鲜明，让人一眼就知道是我拍的。
有人说“彼此由心生。”客观来说，世界是不可改变的，但每个人都有自己的世界观。作为一个摄影师，我是以我的主观视角去感受这个客观世界的，我所经历的是以摄影作品的形式表达出来的。这时候照片就是我内心感受的反映。
(1)温暖而美丽
温暖美好，这是我希望整张照片呈现出来的第一感觉。这很容易理解。画面风格和色调温暖细腻，照片主题是表达具体形象的美好事物。
②安静有力。
这里的静是指画面简洁低调没有强烈的视觉冲击效果。力量是指唤起或让观众思考照片表面之外的事物的能力。也可以理解为吸引，简单却不平凡，简单的背后还有更深的含义。
我所期待的是，我的照片不仅仅是表面上的温暖美好，不仅仅是模特的颜值，还有精致美好的造型。我追求的是观众在看这张照片的时候，能够感受到摄影师的感受和想法。当他们看到照片的时候，就会知道这不是一张随意按下的照片，而是一件经过精心构思的作品。
③自然不做作。
自然不做作主要是指画面中主要人物的状态。人物在画面中占据什么样的比例，与画面中的其他成分有什么样的关系，以及人物的造型、妆容、动作、表情以及他(她)在画面中做什么，这些元素才能达到一种自然不做作的效果。
要想感动别人，首先要感动自己。
到我落笔写下这段话的时候，我的摄影工作室已经成立两年多了。这两年，我也拍了很多客串的片子。以及我拍过的每一部客串电影，从咨询报价，到沟通交定金，前期试衣，面试，准备鲜花道具，到拍摄，后期修图，排版，制作相册等等。，是由我亲自完成的。
我一直认为这些过程是让我对每一个镜头都保持激情的秘诀。不为别的，就因为我享受这样一个完整的过程，享受这种个人的感动。我在用自己的努力感动自己的同时，也相信自己所有的努力都能通过照片让观众感受到，也会被自己的内心所感动。
人是人像摄影的灵魂，摄影师是灵魂的塑造者。记住，当你拍人像的时候，你拍的不仅仅是眼前这个人当时的一种状态，还有他(她)的过去，他(她)读过的每一本书，他(她)走过的每一个地方，他(她)爱过的每一个人。这些过往看似无关紧要，却给他(她)留下了一定的印象，一个小小的表情，一个习惯性的动作。一首歌只需要前奏。
很多新人会认真整理资料发给我。看了他们的短篇小说，往往能得到一些不错的拍摄灵感。
但是当我们说要了解被摄体，根据被摄体的特点进行拍摄，并不是说要盲目的跟着模特或者客户的喜好走。摄影师在整个拍摄过程中还是应该处于主导地位，对模特或者客户的情绪动作有明确的引导。
比如拍摄前告诉你的拍摄对象，这组照片中我们想要拍出的感觉，服装和造型大概会如何配合，动作是夸张还是优雅收敛等等。拍摄过程中的动作调整也需要使用清晰易懂的语言。
我相信每一个找我拍婚纱照或者写真的女生都应该是很爱自己的，对美有很高的要求。所以我尽量抛开摄影师的身份和思维模式，单纯从一个女生爱自己的角度去探索女性的一些温柔美好的方面，比如一些微小的动作，一些稍纵即逝的眼神，一些可爱的小细节。
照片中的情感一方面体现在模特的表情和动作上，另一方面也体现在摄影师和模特之间的情感上。这种情感是建立在相互欣赏和信任的基础上的。
刚开始拍人像的时候，如果时间允许，一般会在拍摄前写一个拍摄剧本，包括具体的场景，需要的衣服和配饰，拍摄思路和技巧，还要给模特设计动作和情绪，找了很多样张，甚至还画了一些拍摄草图。这个工作只是帮你理清思路，保证拍摄前的准备能够有条不紊的进行，但是真正拍摄结束后，我会把剧本放到一边，让自己去演。真正的艺术创作永远是主观的、感性的，这正是它引人入胜的地方。
细节决定成败，这句话同样适用于摄影。摄影师需要学会从宏观的角度去构思和准备拍摄，比如小头饰、道具、服装是否合身，妆容是否干净，以及不假睫毛或浓妆、华丽的指甲颜色等。即使决定用花做道具，也要注意花的品种是否与拍摄主题相匹配。
每个找我拍婚纱照的顾客应该都很清楚。拍摄前，我们会花半天时间选择服装款式，商定拍摄细节。婚纱的领子、腰线、版型是否合适，我会为新娘一一考虑，找到最合适的礼服。这些细节会让照片有一个精心设计的，恰到好处的视觉效果。
可以尝试从光影构图的角度增加艺术感，也可以在构思准备一组照片的时候，从服装、发型、场景选择、道具选择等方面入手。
真实自然的艺术效果往往不是那么容易达到的。稍有不慎就可能变成用力过猛。
所以给照片增加艺术感这个话题，还是要回到我们之前讲过的培养和提高审美的问题上来。这时候，摄影师可以试着反方向思考，专注于你想排除哪些元素，而不是考虑你想在照片中包含哪些元素。
如果条件允许，我会优先使用定焦镜头。定焦拍摄时，摄影师要根据要求的构图来回移动，有时还需要随模特移动。
不断的移动，变换位置，思考构图，虽然拍摄速度比较慢，但也给了我更多的时间，更多的机会去寻找不同的光线和角度。移动相机往往会让我的拍摄对象感受到我的参与感，更积极地配合我的拍摄思路。
一张漂亮的照片远比十张普通的照片更吸引人。有时候我们需要很长时间才能进入拍摄状态，找到最合适的光线和最完美的角度。然而有时候，拍一张好照片只是瞬间的灵感和发现。
面对美颜，我不会吝惜快门去捕捉我最想要的瞬间，但我也希望放慢脚步去思考，让我每一次按下快门都能获得比前一次更理想的光线和构图。
学习和模仿是摄影师提高水平非常重要的阶段。
在这里，作者列出了她看作品时观察和思考的步骤。
①观察配色和构图。
②观察模特的服装造型或妆容，以及人物的姿态和情绪。这些都是照片表面的信息，可以直接参考。
③焦距和视角分析。
如长焦，85mm或135mm，或70-200 mm，常用的方法是观察照片周围变形、背景压缩、模糊的程度，这样基本可以确认焦段和位置。这一步可以帮助你选择焦距，供以后拍摄时参考。
(4)分析光源、补光方法等。
当然，很多构成光线的好作品是很难察觉的，但还是有一些细节，可以看出摄影师用尽光线的想法。通过阴影在地面上的角度和位置，我们可以观察到光源的方向，从而了解摄影师在这张照片中使用的光线水平。
当你第一次拿起相机的时候，你就开始站在摄影师的角度去观察和理解这个世界。你拍的每一张照片，都是你拍照前更进一步的足迹。
摄影是一门综合学科，是景、人、器材、后期合力的结果。单纯的提高其中一项并不能提高整体水平，所以摄影师需要平和的心态，学会长期的积累和沉淀。
摄影是一门创作和记录的艺术，但如果你想成为一名专业摄影师，摄影也会成为一种商业活动。光拍出好照片是不够的。你还需要每天处理大量的信息、电话和咨询。
你需要学会与不同的客户和企业沟通。
你需要知道如何在市场中找到自己的位置。
(3)需要在有限的时间内尽可能好地完成任务。
④你需要保持对摄影的热情和热爱。
⑤保持最佳状态和创造力。
摄影和很多职业一样，成功最重要的是坚持和坚持。也许你的努力不会马上有结果，但你要永远记住，你现在所有的默默付出，最终都会在未来的某一天变成最强的呐喊。
我经常在笔记本上列出近期要拍的题材，然后按顺序策划、准备、拍摄。
我也会给自己定一些长期目标。比如两年前，我给自己定了一本摄影书的目标。
把这些目标写下来，放在电脑或者办公桌上，可以有效提高执行力。良好的执行力，推动着我在这条路上不断前进，逐渐接近目标。
很多摄影师应该知道，如果你拍的是职业模特，你为他(她)拍的照片只是他(她)成千上万张照片中的一张。但如果你拍的是普通人的照片，那么这些照片很可能是他们人生中最美的瞬间之一。这对我和我的客户来说非常重要。这一点我一直记在心里，也深深知道给我的接待片拍照的意义。
我喜欢在客人们化好妆、穿好婚纱后，花几分钟仔细观察他们。经常发现女生的眼睛或者某些五官是那么的好看。如果我没有给她拍照，我可能永远也不会发现她的美。真可惜。
摄影是我的谋生手段，但我也希望以这种喜欢的方式生活，保持拍摄的节奏和激情。我想只要我还有体力，我就会一直拍下去，为普通人拍照，这是作为摄影师最大的乐趣之一。
强大的设备通常能为照片增色不少，但这不是决定性因素。找一个方便的相机和合适的镜头。真正决定照片质量的从来不是器材，而是心意。
摄影师需要做的是驾驭器材，而不是让器材的特性限制自己的拍摄思路和水平。
小广角，f/1.4大光圈，清新人像利器；尤其是空间不够大的时候，35mm可以兼顾环境。
相比50mm和85mm，35mm的对焦会相对较快，适合捕捉动作。儿童摄影和户外拍摄使用35mm焦距是个不错的选择。
旅行时，35mm适合拍人物和风景，可以减轻负担。35mm相机因为广角小，拍特写或者把人放在构图边缘时容易变形，所以要尽量避免。
50mm镜头接近人眼视角，没有广角或长焦带来的视觉冲击。是最容易控制和驾驭的焦段，也容易通过照片传递温暖美好的感受。
佳能85mm中长焦镜头被称为大眼/人像镜之王，f/1.2的大光圈实现了油性焦外质感。
85mm适合拍摄小场景的特写，可以聚焦人眼，其他五官模糊，从而放大人物眼神传达的情绪。
中长焦拍摄也可以避免逆光或者侧逆光时脸部曝光不足，通透感会比广角强。
85mm焦距的缺点是视角单一，构图变化不大，考验摄影师前期策划、后期配色以及引导模特情绪的能力。
85mm容易让人比实际略胖，后期可以利用液化功能适当瘦身。
24-70mm是非常实用的镜头。24mm末端广角和70mm末端中长焦，加上f/2.8的光圈，可以满足很多条件下的拍摄需求。时间紧的时候，选择24-70mm会比对焦更省时间。
在摄影中，构图也是这个意思。学习作文就像学习语言一样。你不必死记硬背语法，但一旦你掌握了它，它可以让你清楚地表达你想说的话。
和谐精致的构图是决定整幅画的基础。
构图可以说相当于一张照片的骨架。一幅漂亮的肖像画的构图不需要太精确，但必须让人感到平衡和舒适。这里说的平衡是视觉上的平衡。
九宫格构图是指把人和事物放在垂直或垂直的平分线或交点上。
这样的构图带来平衡舒适的视觉效果，也可以避免对称构图带来的单一感。
在人物特写中，可以选择人眼为主体，在构图时将人眼靠近镜头放在一个路口，将手或其他道具放在另一个路口，使构图均衡、舒适、不单调。
对角线构图是指在画面中画两条对角线，画面主体大致沿着其中一条线延伸。
这种方法也可以用于指导模型的运动，如手或脚的拉伸。
这种构图方法尤其可以在拍摄卧姿或俯卧拍摄时使用。
沿对角线延伸的主体不仅仅是人，拍摄时衣服或其他道具的线条也可以形成对角线构图的视觉效果。
三角形是最稳定的形状，风景拍摄中经常使用三角形构图。
在人像摄影构图中使用三角形构图，也会给画面带来稳定与和谐。
拍摄人物坐姿时广泛使用三角形构图。头、手、脚(或膝盖、臀部)呈三角形分布，可以使姿势更加自然。
把画面的主题集中在一个三角形区域，也是三角形构图的一种应用方法。
单目中心法是将主角的一只眼睛作为画面的焦点，让观众的视线被照片中的眼睛吸引，其他部分可以轻跳过。
这种方法特别适合拍摄特写镜头。在照片中，眼睛会起到导向作用，会引导观众的视线，所以当照片中的人物看得很远时，会给整个画面带来延伸感。
单目中心法可以和上面说的九宫格构图法结合，人眼可以放在九宫格的交点上。
拍摄时，被摄对象被剪切，一部分被摄对象伸出画面。这种成分通常被称为出血成分。
这种构图有助于引导观众的视线，突出人物的眉毛、睫毛、眼神、细微的表情和一些小动作、细节。
近景拍摄，皮肤和妆容的小瑕疵都被拉入镜头，对模特的状态、表现力、摄影师的构图能力和后期水平都是一种考验。
我们拍人像，人是关键。但是，如果你的作品以组图的形式出现，会让我们在景观上有更大的发挥空间。除了以人为中心的特写、近景、中景、全景、远景，还可以有环境的部分和解说。
组图中各种场景的组合可以让照片更有节奏感和故事性。
在影片中，导演利用复杂多变的场景调度和镜头调度交替使用不同的场景，可以使影片情节的叙述、人物思想感情的表达、人物关系的处理更具表现力，从而增强影片的艺术感染力。
中国古代绘画有一句话，“近其气，远其势”。所以越是特写，人物的表情越突出，照片受周围环境因素的影响越小，光影色彩和构图越简单，特写重点在脸部，甚至是局部。
拍摄环境开阔，景色优美时，可以尽量减少画面中人物的比例，强调人在的环境氛围。
一组各种风景交替使用的人像作品，我称之为“环境人像组图”。人与环境的关系和画面中人的比例也直接影响照片传达的感情。
有一个很有意思的现象，人眼无法识别倒影人物的五官是否符合美的比例。
当我们看到一个人的倒立照片时，我们的五官和表情都会被忽略，即使照片中的人五官不精致，表情不自然。
低头看构图，拍特写，借助大光圈的虚化，观众可以聚焦人眼，模糊脸部以外的部分，适合拍摄模特直视镜头的瞬间。眼睛和表情被突出放大，红唇也是画面中的一个亮点。
仰视构图是指平面低于模特视地平线，这样模特可以站在更高的位置或者摄影师可以蹲下。
拍构图的时候，模特最好不要直视镜头，可能会造成脸不够好看或者脖子不够舒展的感觉。这时候让模特给镜头一个侧脸，或者向远处看，会给构图带来一种延伸或者视觉上的引导，也让模特的四肢看起来更加修长舒展。
局部特写在人像摄影中能很好地传达情感、渲染气氛，也可以称为“无眼特写构图”。
除了女生好看的眼睛和脸，还可以拍拍指尖、锁骨、头发、嘴唇、后背等等。没有眼神传达情绪，局部特写的情感交流更多的是靠肢体语言。
捕捉柔光和女生的小动作，或者用道具和小饰品，可以拍出漂亮的局部特写。这些局部细节往往更容易将观众带入照片的意境。
就算只拍一部分，这部分还是属于整个角色的。不要分开对待。比如要让手好看，全身要舒服放松，表情要柔和。
在大光圈浅景深的镜头虚化效果下，很多意想不到的东西都会有美好的前景。
前景按大小可分为大前景和小前景。大前景，如地面、平台、大面积玻璃等。小前景，比如道具、鲜花、衣服等。
根据来源，前景也可分为环境前景和人工前景。当场景中没有适合作为前景的物体时，可以人为添加前景，比如白纱、透明塑料纸、羽毛、LED灯等等。
构图是摄影师在按下快门的一瞬间完成的一个简短动作。按下快门的一瞬间，可能没有足够的时间去思考构图的方式，但是长期的积累和拍摄经验会让构图方式沉淀在心里，成为一种下意识的动作。
我有收集古董衣服和帽子的爱好。每一个古董孤儿都曾在多年前照耀过一个女孩。那些精致的刺绣和珠饰，略显泛黄的岁月痕迹，有时似乎不用任何解释，一眼就能看出它的魅力，每一个细节似乎都在无声地诉说着一个动人的故事。
我喜欢这种神秘故事的感觉，这些收藏经常成为我创作灵感的来源。思维和灵感从一件维多利亚时代的精致衬衫蔓延开来，可以带来一组美丽的肖像。
这种对摄影的热爱，从四年多前我拿起相机拍照的那一刻就开始了，也许会这样贯穿我的一生。
这本关于摄影的书，更多的是分享我的内心和感受。它可能会让你坚定地爱上摄影，但也能让你感受到摄影之路的漫长与沉重。对我来说，这似乎是一个庄严的任务，送给一直关注和支持我的朋友们，也送给决心在这条路上前行四年多的自己。
我坚信每一张照片背后都有说不完的故事，是我读过的书，走过的路，爱过的人。他们在我的记忆里留下了痕迹，组成了这个平凡却独特的我。希望这本书也能在你的记忆中留下痕迹，成为你的过去，成为你照片背后的故事。