为什么叫“芭蕾”
芭蕾源于古拉丁语ballo。起初，这个词只是指跳舞，或在公共场合表演舞蹈，并没有戏剧表演的意思。芭蕾舞作为一种舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利的盛大宴会和娱乐活动中，形成于17世纪的法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在统一的主题下，结构松散的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵、戏剧的综合表演。由专业舞蹈老师设计，以国王贵族为演员，女性角色由男性扮演。演出场地在皇宫大厅中央，观众在大厅四周观看。演员戴着皮革面具来标志不同的角色，所以也叫假面芭蕾。
1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。65438+黎塞留主教宫剧院在20世纪70年代开始用于芭蕾舞表演。场地和观众观看角度的变化，引起了舞蹈技法和审美观的变化，演员的站姿也越来越开放，从而正式确定了脚的五个基本位置，成为芭蕾技术发展的基础。职业芭蕾舞演员应运而生，并逐渐取代了贵族业余演员。专业芭蕾舞演员也开始登台表演，舞蹈技术发展迅速。芭蕾舞表演逐渐从自娱自乐的社会活动转变为戏剧表演艺术。这一时期的芭蕾舞从属于歌剧，宫廷作曲家J. B .卢瑞在歌剧中加入芭蕾舞场景实际上是一系列舞蹈表演，但情节似乎无关紧要。这时候叫唱芭蕾或者芭蕾歌剧。这种情况一直持续到18世纪中叶。小说，18世纪的芭蕾大师，是芭蕾史上最具影响力的舞蹈革新家。他在1760出版的《舞蹈与舞剧快报》中首次提出了“剧情芭蕾”的观点，强调舞蹈不仅是一种身体技能，更是一种戏剧表现和思想交流的工具。小说理论推动了芭蕾的革新浪潮。在他和其他许多演员、导演的不断努力下，芭蕾在内容、主题、音乐、舞蹈技法、服装等方面进行了一系列改革。这些改革最终使芭蕾舞从歌剧中分离出来，形成一门独立的戏剧艺术。
在芭蕾发展史上，有两种主要的美学观点一直在起作用。一种观点认为芭蕾是一种“纯粹的舞蹈”，16世纪的意大利舞蹈老师、女王喜剧《芭蕾》的导演B.de Beaujoyeulx认为芭蕾是“几个人一起跳舞的几何组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全忽略了芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求高超华丽的技巧。18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中占主导地位。另一种观点强调芭蕾是一种“戏剧性的舞蹈”，小说的“情节芭蕾”理论最集中地代表了这一观点。他认为，在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现出戏剧性的内容，“剧情和舞蹈设计要统一，以逻辑清晰、易于理解的故事为中心主题，取消独舞和与剧情无关的舞蹈片段”。在舞剧中，“不仅舞蹈技术令人眼花缭乱，还要通过戏剧化的表演来感动观众”。以上两个主要观点今天仍然有效。许多导演致力于创作戏剧性或情节性的芭蕾作品，而有些导演热衷于没有情节剧的芭蕾，注重形式美。两部作品中的优秀剧目都为观众所欣赏，经常作为保留剧目上演。20世纪以来，各种文学思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多风格各异的作品。
编舞是创作一部芭蕾舞作品的关键人物。他根据文学剧本(或者一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思芭蕾结构或者舞蹈结构，然后演员再去体现。编舞和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾词汇)——芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表达特定内容或情感的能力。编导要知道自己擅长什么，不能表达什么；另一方面，演员应该训练有素，能够适应并创造性地体现编舞家的想法。只有具备了这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾的结构形式有:独舞、二人转、三人舞、四人舞、群舞等。古典舞、个性舞(舞台民族舞、民间舞)、现代舞等。根据以上形式，多幕芭蕾(分分合合，如《天鹅湖》)、单幕芭蕾(如《仙女》)和芭蕾小品(如芭蕾舞剧的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和风格化，影响和制约了芭蕾的发展。在20世纪导演创作的大量芭蕾作品中，这些规范和程序都被大大突破，新的探索和创作不断涌现。
世界芭蕾舞发展概况
宴会芭蕾
芭蕾舞出现在15-16世纪文艺复兴全盛时期的意大利，艺术家们竭力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾舞表演是在一次宫廷宴会上举行的。1489年，《俄耳甫斯》在意大利的一个小镇上演，庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡的伊达贝尔公主的婚礼。当时的表演形式与我们今天看到的芭蕾舞表演完全不同。每次表演一般都与上菜有关，比如模拟狩猎表演开始后吃野猪；海神和河神出现了，开始吃鱼。然后，许多神话人物上台献上许多菜肴和水果，最后来宾们也参加了热闹而狂欢的表演。这是一种集歌唱、舞蹈、朗诵、戏剧表演于一体的表演形式。可以说是芭蕾的雏形，后人称之为“宴会芭蕾”。
宫廷芭蕾舞团
随着意大利贵族与法国宫廷的通婚，意大利芭蕾舞表演被带到了法国。1581年，女王的喜剧芭蕾在亨利三世的妹妹玛格丽特的婚礼上上演。当时没有舞台，观众坐在三面墙的两层楼道里。国王和显贵们坐在祭坛上，表演在大厅的地板上进行。导演波伏娃是一名受雇于法国的意大利人。内容展示了瑟瑟如何征服阿波罗，却不得不向法兰西国王陛下屈服。表演融合了戏剧、音乐、舞蹈、朗诵和杂技。路易十四时期(1643-1715)，法国芭蕾发展到了顶峰。路易十四本人热爱舞蹈，训练有素。15岁时，参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出，饰演阿波罗。
动作芭蕾
18世纪的欧洲启蒙运动深刻影响了法国芭蕾的发展。其创新思想表现在反对芭蕾舞作为贵族消遣的装饰品，使芭蕾舞像戏剧一样表现现实生活，主张芭蕾舞应有社会内容和教育意义。这就是“剧情芭蕾”产生的时代背景。诺威尔代表了欧洲芭蕾革新的主流，体现了启蒙运动的民主精神。在《舞蹈与舞剧书信》中，他提出了自己对芭蕾的创新理念。诺维尔的学生让·多贝瓦尔(Jean Dobejval)创作了芭蕾舞剧《无益的小心》，至今仍在上演，成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。
浪漫芭蕾
浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上的一个“黄金时代”，在舞蹈技巧、编舞和表演形式上都经历了辉煌的阶段。舞剧如仙女、吉赛尔、梅拉尔、海贼等的出现，造就了一批芭蕾人才，如佩罗、伯恩维勒、坦乔、艾斯勒等。这一时期芭蕾的特点概括如下:
1，内容和主题的变化。超凡脱俗的神仙鬼怪已经取代了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实的不满和失望，一种对超越世界的另一个世界的利益追求，或者用死亡来摆脱对现实的失望，或者用一种不切实际的追求来代替对生活的渴望。其中代表作品有仙女(1832)和吉赛尔(1841)。集法国风格于一身的《吉赛尔》成为浪漫芭蕾的巅峰之作，随后浪漫主义与现实主义的结合逐渐显现。
2.舞蹈技巧和表演有了很大的进步，脚尖舞技巧成为女舞者表演的重要因素，男性的舞蹈技巧也有了进一步的提高。
3.在表演形式上，采用了煤气灯的灯光和幕布，并对芭蕾舞服装和舞鞋进行了改革，产生了一种诗意而轻盈的风格。
浪漫芭蕾的黄金时代极其短暂。从19年的30年代到40年代，在10年多一点的时间里停滞枯萎。从19世纪下半叶开始，欧洲芭蕾的中心逐渐转移到俄罗斯。
俄罗斯芭蕾舞
随着社会的发展，芭蕾舞逐渐从宫廷娱乐舞蹈转变为有情节的芭蕾舞剧并进入剧场，表演具有社会生活内容的舞剧。
19世纪，浪漫主义也对芭蕾产生了深远的影响。芭蕾舞从内容到形式都发生了根本性的变化。反映民间神话传说、仙女、精灵、鬼怪的故事成为芭蕾创作的主旋律。女演员成了主角，服装换成了短裙，脚尖舞成了芭蕾的基本元素。这种踮脚的技巧，促使舞者的身体向上，适合表现轻盈的姿态，表达追求和向往的情绪。
19世纪末，柴科夫斯基的代表作《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等相继在俄国和其他国家上演，世界芭蕾艺术的中心从巴黎转移到了彼得堡。尤其是柴科夫斯基的音乐，给芭蕾音乐带来了丰富的影像内容、戏剧动力和交响乐的发展。它不仅是芭蕾的典范之作，也是世界乐坛的不朽之作。
19世纪下半叶，欧洲浪漫芭蕾衰落，复兴芭蕾的使命历史性地落在了俄罗斯的肩上。自20世纪40年代以来，外国舞蹈家经常访问俄罗斯。塔里奥尼父女佩罗、圣莱昂等人的演出和导演活动，特别是布尔农维尔学生约翰逊(在圣彼得堡)和布拉斯(在莫斯科)的教学活动，向俄罗斯舞蹈界传授了法国和意大利两大舞蹈流派的精髓，并逐渐形成了一个新的流派——俄罗斯舞蹈流派。马蒂帕和伊万诺夫在剧目的构建中起到了决定性的作用。19世纪末，柴科夫斯基的代表作《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等相继在俄国和其他国家上演，世界芭蕾艺术的中心从巴黎转移到了彼得堡。尤其是柴科夫斯基的音乐，给芭蕾音乐带来了丰富的影像内容、戏剧动力和交响乐的发展。它不仅是芭蕾的典范之作，也是世界乐坛的不朽之作。实现了舞剧音乐的创新，使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的依据，启发和丰富了舞剧编导的交响舞蹈思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的顶峰，被视为交响舞蹈的典范。后来格拉祖诺夫写了《雷蒙达》(1898)、《四季》(1900)，继承了浪漫主义的芭蕾传统，体现了俄罗斯现实主义的传统。
20世纪初，俄罗斯芭蕾已在世界芭蕾中占据主导地位，拥有自己的剧目、表演风格和教学体系，涌现出一批编舞家和表演者。此后，俄罗斯芭蕾界的一批年轻人要求创新和探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福晋是他们的领袖。福昆的创新理念在帝国剧院是无法实现的，他的主要作品都是在国外为迪亚吉列夫芭蕾舞团排练和上演。迪亚吉廖夫从1909年开始连续三年组织俄罗斯演出季，并于1913年建立了以蒙特卡洛为基地的常设剧团——“迪亚吉廖夫俄罗斯芭蕾舞团”，在欧美各地巡回演出，影响巨大，将俄罗斯保存下来的古典传统剧目送回欧洲，促进了欧洲芭蕾舞的复兴。剧团解散后，成员分散在欧美，有法国的利法尔、英国的德瓦尔瓦、美国的巴兰钦、福晋等，为各国芭蕾的复兴或创作做出了重要贡献。
当代芭蕾
1929年底，丽发成为巴黎歌剧院芭蕾舞团永久编舞兼主舞。直到1958离开，他其实进行了一项改革，比如废除了延续了几个世纪的赞助人在芭蕾舞演出前在后台与舞者聊天的权利。每周还有一次开幕式。1932复盘吉赛尔的时候，利法演的是艾伯特。他是个聪明的人。《巴黎圣母院》是罗兰·佩蒂根据耶鲁大学音乐改编并导演的，取得了辉煌的成功。《火鸟》是莫里斯·贝哈尔在1970年创作并执导的，是最独特的作品。巴黎歌剧院芭蕾舞团的剧目有《吉赛尔》、《加布里埃尔》和《西尔维娅》。
英国芭蕾主要归功于三位伟大女性的终身管理:阿德琳娜·杰奈夫人，在皇家剧院担任首席芭蕾舞演员多年；尼纳特·德·瓦洛娃夫人的不朽之作是皇家芭蕾舞团；玛丽·兰伯特夫人是以她的名字命名的芭蕾舞团的创始人。还有节日芭蕾和苏格兰芭蕾。
美国没有国家芭蕾舞团。巴兰钦和林肯·柯斯坦在1933见过一次面，受邀主持美国舞蹈学校。1948转制为纽约市芭蕾舞团，巴兰钦任艺术总监兼主要编舞，杰罗姆·罗宾斯任助理艺术顾问。形成了典型的美国舞蹈风格。另一个重要的芭蕾舞团是美国芭蕾舞剧院，它于1940开始活动。傅福金、马鑫、安东尼·都铎等。亚瑟·米切尔的哈莱姆舞剧院乔佛里芭蕾舞团是第一个黑人古典芭蕾舞团。
丹麦皇家芭蕾舞团是丹麦民族传统的杰出继承者。百年前Bournonville创作的芭蕾舞，至今仍以纯粹的风格在哥本哈根演出。在丹麦芭蕾中，传统意识一直很强。从65438到0932，哈拉尔德·兰德尔被任命为皇家剧院的芭蕾舞指导。直到1952，他为法国和英国改编练习曲，这是一次芭蕾技巧的辉煌展示。
20世纪初有影响的俄罗斯导演有戈尔斯基、普尼和福昆。安娜·巴甫洛娃完美地体现了福昆的思想，在1905中有一只天鹅的死亡。
在俄国，十月革命后，戈尔斯基坚持戏剧的表现力，使其舞蹈演员以斯坦尼·斯拉夫斯基的方式活在角色中，原本在宫廷中产生的芭蕾并没有消亡。1927年，红罂粟在莫斯科演出，这是俄罗斯第一部英雄现代舞剧，标志着古典学派的胜利，指明了遵循的准则，古典芭蕾赢得了新的声誉。谢苗诺娃和乌兰诺娃首次登台。新创作的舞剧注重戏剧结构，更多运用民间舞蹈，丰富编导的词汇。俄罗斯芭蕾开始复兴。
从1581开始，法国上演了400多年的女王喜剧芭蕾。芭蕾已经遍布世界各地，被公认为人类文化遗产的重要组成部分，成为世界性的艺术，五大洲的许多国家都建立了自己的专业芭蕾学校和芭蕾表演团体。当今世界，芭蕾艺术蓬勃发展，古典芭蕾与现代芭蕾、戏剧芭蕾与交响芭蕾等不同流派相互竞争，涌现出一大批人才和剧目。许多国家逐渐形成了自己的风格和特色，在芭蕾的艺术表现上也出现了新的探索和创造。