如何提高古典舞的身韵

身韵是身体姿态和节奏的总称。“体态”属于外在的技法范畴，“节奏”属于艺术内涵。只有将它们有机地结合和渗透，才能真正体现中国古典舞的风格和美学精髓。换句话说，“身韵”就是“形神兼备，身心合一，内外合一”，是中国古典舞不可或缺的标志，是中国古典舞的艺术灵魂。爱学艺术，和大家分享如何提高古典舞的身韵。

盘腿而坐，这种姿势有利于消除练习时身体其他部位肌肉的干扰。

调整坐姿，站直，站起来，用力推头顶，双肩下沉，想象有一根绳子绑在头上，试着向上拉，把全身拉直。

1，下沉，从尾骨开始，脊柱自下而上下沉放松。最后我会埋下头。最后，想象自己盘腿而坐，晕了过去，完全不需要任何力气。

2、提一下，从尾椎开始，脊柱从下往上开始，断面直，挑起。最后回到头顶和肩膀，头顶尽量高。

无论提还是沉，整个过程都要平稳轻柔，像打太极拳一样，没有停顿和棱角。用现代物理学的话说，就是做匀速，匀加速或者匀减速。运动方式是传递性的。

身体分成越多段越好。最后，想象你的脊椎是一根绳子或者一条蛇。整个传输过程非常流畅，没有掉角。

慢慢练，熟练再快，然后快慢交替(动作感觉像拉皮，黏黏的，有弹性的，慢的)

熟练后加气，下沉时逐渐呼气，抬起时逐渐吸气，吐气如旋转，吸气如闻花香。

气息要和动作节奏完全一致，沉到水底就筋疲力尽了。到顶的时候会很有气息(如果后续有停顿的话要保留)，而且也要很平稳，匀速，匀速加速或者匀速减速。

最后用表达，举一般是从梦中醒来的过程，是被吸引的过程，是由死到生的过程，而沉常用来表示从梦中醒来的过程，人死了，放松了。

古典舞的基本元素

形状

形式是指形式之外的动作。表现为各种姿势，千变万化的动作以及它们之间的联系。一切可见的形式和过程都可以称为“形”。形式是形象艺术最基本的特征，是古典舞魅力的依附，是古典舞美的传播媒介。

中国舞蹈强调“扭、斜、圆、弯”，上翘、斜、转、翘的曲线美，以及“刚健、挺拔、含蓄、柔韧”的内在气质。从出土的墓葬人物和敦煌壁画中，不难看出，这一点自古以来就是一脉相承的，一直在不断发展演变。比如秦汉时期的人物，唐代的三道弯，戏曲舞蹈中的子午相、阴阳面、麻花，中国民间舞蹈胶州秧歌中的滚、扭、转、韧，海阳秧歌中的挡、探、扭、韧。掌握体态和造型的曲线美也需要相应的素质和能力。

上帝

这里指的是内涵，精神，节奏，气质。任何没有魅力的艺术都可以说是没有灵魂的。魅力是中国文学批评中一个极其重要的概念。无论谈诗谈画谈音乐谈书法，都离不开神韵二字。在古典舞中人体的运动中，神韵是可以被认识和感受到的。而且，只有抓住了“神”，“形”才有生命力。

在心灵的概念中，身韵强调云起、气息和意念的内涵。强调神韵和内心感受。在形与神的关系中，神被放在第一位，正是这种“以神领形，以形传神”的观念和情感，造就了体韵之韵。可以说，没有韵，就没有中国古典舞。没有内心情感的激发和驱动，中国古典舞最重要的光彩也就失去了。

“心与意，意与气，气与力，力与形”。所谓“心、意、灵”，就是“神韵”的体现。人们常说眼睛是心灵的窗户，眼睛是生动的工具，但眼睛的“聚、放、凝、闭、闭”并不是指眼球本身的运动，而是内涵和心理节奏所表达的结果，这恰恰说明神韵主宰一切。“形未动，神先领，形已停，神不停。”这个公式形象而准确地解释了形与神的联系和关系。

力量

“中国古典舞的奔跑节奏往往与常规的2/4、3/4、4/4音乐不同。更多的时候是以有规律的“弹性”节奏进行的，松而不慢，紧而不乱，动中有静，静中有闲，动中有动。”身韵”就是训练舞者用力不是均匀的，而是要有轻重、急缓、长短、顿挫、象征点、分段、延伸的对比和区别。这些节奏符号是通过人的动作来表达的，这是真正掌握和理解“力度”的运用。”“力度”不仅贯穿于动作的过程，在动作的最后也是非常重要的。无论是中国传统戏曲、芭蕾舞还是武术套路，都非常重视动作结束前的瞬间节奏，中国古典舞也不例外。它有以下几个典型的外貌力量:“寸劲”——姿势、角度、方位都准备好了，一寸之间的力量用来“画龙点睛”。对比强度”——对即将结束的姿势造型给予强烈的反应，从而加强和对比最终的造型。神的力量”——一切都已完成，用眼睛和四肢的延伸感使其“形已停止但神未停止”。此外，还有“刚中有柔”、“韧中有脆”、“急中有缓”等强度差异。

法律

“反法”是古典舞特有的，能产生人体千变万化、扑朔迷离、千变万化的动作。从每一个具体的动作来看，也有“一切从对面开始”的说法，即“一切必从左边做，一切必从左边做，一切必从开口做，一切必从前面做”的动作规律，正是这些特殊的规律产生了古典舞的特殊审美。无论是一蹴而就的一帆风顺，还是对面运势，还是“对面出发”，都体现了中国古典舞之美，这是中国“舞法”的精髓。